En remportant l’automne dernier le prix Polaris du meilleur album canadien de l’année pour God Has Nothing To Do With This Leave Him Out Of It, Backxwash devenait la première femme trans à recevoir cette prestigieuse récompense. Une victoire historique, qui ne serait qu’à moitié réjouissante si sa musique n’était pas aussi puissamment rageuse. Le rap a rarement autant été chargé de l’énergie féroce du punk que sur ces 10 brûlots comprimés en moins de 23 minutes.

Née en Zambie, Ashanti Mutinta quitte l’Afrique au tournant de l’âge adulte afin de se soustraire à l’oppression d’une famille conservatrice et imagine depuis un rap atomique, pourfendant toutes les formes d’entraves placées sur le chemin de quiconque embrasse une identité dite hors norme. On le garantit: aucune forme de colère ne saurait résister à une séance d’écoute – à fort volume! – de Backxwash, dont on sort à la fois apaisé et revigoré.

Un capteur de rêves est traditionnellement un objet sacré retenant les mauvais rêves hors de la chambre de son occupant, bien que sa forme rappelle aussi la toile de cette créature mal-aimée qu’est l’araignée. Voilà le symbole puissamment polysémique sous le signe duquel s’épanouit la ténébreuse musique d’Anachnid, dont l’album Dreamweaver agit lui aussi à la manière d’un capteur de rêves, comme une sorte de filtre protecteur qui nous permettrait d’observer la violence du monde, avec le précieux recul de la connaissance de soi et de la juste colère.

D’origine oji-crie et micmaque, Anna-Khesic Kway Harper appartient à une génération d’artistes autochtones qui arriment la culture traditionnelle de leurs peuples aux sonorités de la pop mondiale (dont celles du trap, un sous-genre du hip-hop issu du sud des États-Unis). Il n’est ainsi pas interdit de croire que le loup qu’on entend dans Animism est aussi un peu celui auquel son parrain et sa marraine lui ont jadis appris à répondre en chantant afin qu’il ne s’approche pas trop d’elle. Dialoguer avec le danger afin de le tenir à distance? Et s’il y avait une leçon là-dedans?

«Ce qui est un peu cocasse, c’est que l’album a été composé la semaine avant que tout s’arrête», confie Laurence-Anne au sujet de sa retraite créative de mars 2020, dans le confort d’une «petite maison dans la vallée», au cœur du paysage enneigé de Marsoui, un village de la Gaspésie. «Dans mon appartement, je n’ai pas nécessairement la concentration pour composer. J’ai besoin de me retrouver seule, dans ma bulle, de ne pas sortir de la semaine. À Marsoui, si je voulais composer jusqu’à 3 h du matin, je pouvais le faire.»

L’été venu, elle se pointe en studio avec, sur le nez, des lunettes roses. «Mes musiciens et moi, on s’est dit: “Voici les lunettes de la Musivision.” Au début, c’était juste une joke, ce mot-là, mais plus j’y pensais, plus ça avait du sens.» Pourquoi? Parce que les synthétiseurs omniprésents plongent l’album dans une ambiance rétrofuturiste et parce que la musique, comme ces lunettes roses, teinte sans cesse le regard de Laurence-Anne sur l’existence, en l’aidant à transcender les tristesses d’hier. «Oui, on pourrait dire que je regarde toujours la vie à travers les lunettes de la musique.»

Elle lancera son deuxième disque, Musivision, le 23 avril.

La nuit, dans le demi-sommeil cotonneux de l’entre-deux-mondes, parfois les idées – douces ou anxiogènes – se bousculent à la porte de notre cerveau. C’est du moins ce que vit régulièrement le pianiste et insomniaque Louis-Étienne Santais qui, plutôt que de rester blotti sous l’édredon à compter les moutons, a pris l’habitude de filer vers son studio pour sublimer grâce aux touches de son piano ses longues heures sans dodo.

Son premier album, Reflection I, ouvre une fenêtre sur les méditations d’un rêveur radieux, dans un mode néoclassique ayant l’élégance de nous maintenir en apesanteur, à la frontière de l’éveil et de l’onirique. Pas étonnant que sa berceuse pour adultes contemplatifs, Augustines, ait franchi la barre des 4 millions d’écoutes sur Spotify. À propos de la nuit: le musicien révélait récemment, avec la chanteuse Ghostly Kisses, une céleste relecture de J’ai demandé la lune, d’Indochine.

«You ain’t never seen another like me», lance Naya Ali avec une assurance bétonnée sur Get It Right, déclaration d’intention explosive tirée de son album Godspeed: Baptism (Prelude). Simple fanfaronnade, typique de la rhétorique hip-hop? Quiconque a tendu l’oreille à son débit infaillible devra admettre qu’elle se contente ici d’affirmer la pure vérité: la jeune histoire du rap québécois compte peu de femmes aussi magnifiquement frondeuses, dont la confiance tient de l’avertissement-à-prendre-pour-argent-comptant plutôt que de la poudre aux yeux.

Cette Montréalaise née en Éthiopie se met au rap dès l’adolescence, puis le délaisse au début de la vingtaine pour se consacrer à une carrière en marketing, jusqu’à ce que l’appel de la rime se fasse à nouveau trop urgent. Un changement de cap contre lequel un orienteur l’aurait probablement mise en garde, mais que récompensait en janvier dernier l’important Prix de la musique noire canadienne. On n’avait jamais vu une personne comme elle, non, et pourtant, on ne saurait plus s’en passer.

À ce stade-ci de notre rapport à la technologie, presque tout le monde a déjà vécu pareille humiliation: vous échangez des messages agréables avec un prétendant ou une prétendante, vous réfléchissez peut-être même déjà dans le secret de votre monologue intérieur au nom que porteront vos enfants, puis… silence complet. Plus aucune nouvelle de votre correspondant, soudainement devenu muet.

Sophia Bel venait tout juste de se faire ainsi «ghoster» lorsqu’elle a créé avec son camarade CRi You’re Not Real You’re Just a Ghost, extrait défoulatoire de Princess of the Dead, Vol. II, qui arracherait assurément un sourire de connivence à Avril Lavigne. Le minialbum signale d’ailleurs la résurgence de plusieurs textures sonores associées aux années 1990 et 2000 (époque bénie où il était beaucoup plus difficile de «ghoster» quelqu’un!). Trip-hop, drum & bass, pop-punk: la funeste princesse emprunte au passé, avec la conscience qu’il n’y a rien de plus intemporel que de cracher ce qu’on a sur le cœur.

«Je vous parle d’un temps que les moins de 20 ans ne peuvent pas connaître»: celui où il était de bon ton de ridiculiser les rappeurs en prétextant que s’ils jasent sur un rythme, c’est parce qu’ils ne savent pas chanter. Une mesquinerie que Zach Zoya réduit à néant dès qu’on l’entend pousser la note sur Pillz, une ballade chaloupante tirée de Spectrum, le premier minialbum de ce Rouynorandien, fils d’une mère québécoise et d’un père sud-africain ayant fui l’apartheid pour l’Abitibi.

Vous avez un vieux 2 $ en papier à parier sur le MC local le plus susceptible de se tailler une place dans les palmarès internationaux? Placez-le sur Zoya, qu’on a souvent surnommé «le Drake québécois», une lourde comparaison, qui en dit aussi long sur l’ambition fièrement revendiquée du principal intéressé que sur le richissime potentiel des morceaux de celui qui, à l’instar de son compatriote abitibien Raôul Duguay, sait tout à la fois chanter la pomme et hypnotiser grâce à son flow d’une étourdissante vélocité.

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