Marylin Fitoussi est une créatrice de costumes française reconnue pour son travail dans l’industrie de la télévision et du cinéma. Elle a débuté sa carrière dans le prêt-à-porter avant de se tourner vers la création de costumes, un domaine où elle a pu exprimer pleinement sa créativité narrative. La styliste est surtout connue pour son travail sur la série à succès Emily in Paris, où elle a collaboré avec la légendaire costumière Pat Field. Son approche unique, mélangeant des pièces audacieuses et colorées pour refléter l’évolution des personnages, a largement contribué à l’identité visuelle de la série.

RENCONTRE AVEC MARYLIN FITOUSSI

Vous avez été styliste pour des marques de prêt-à-porter, et aujourd’hui vous êtes créatrice de costumes pour la télévision et le cinéma. Pouvez-vous nous parler de votre parcours et des différences entre ces deux métiers ?

Mon parcours a été marqué par une multitude d’expériences dans l’univers de la mode. J’ai commencé dans le prêt-à-porter, ce qui m’a permis d’acquérir une discipline rigoureuse et un sens aigu du détail. Le prêt-à-porter est un domaine où la tendance et le commerce dictent beaucoup de décisions, mais c’est aussi un milieu où l’on peut exprimer sa créativité tout en répondant aux attentes du marché. En passant à la création de costumes pour la télévision et le cinéma, j’ai découvert une nouvelle dimension de mon métier. Ici, chaque vêtement doit être pensé comme un élément narratif. Un costume ne se contente pas de couvrir un corps ; il doit raconter une histoire, traduire les émotions d’un personnage, s’intégrer dans une époque ou un univers spécifique. Travailler avec des talents comme Pat Field, une icône du costume que j’admire profondément, m’a également énormément inspirée. Sa capacité à transformer un personnage à travers les vêtements est une véritable leçon de créativité.

Vous êtes connue pour votre travail sur la série Emily in Paris. Comment avez-vous abordé le stylisme des personnages, et en particulier celui d’Emily ?

La création du style d’Emily a été un défi passionnant. C’est une jeune Américaine qui débarque à Paris, et il était essentiel que son style reflète son optimisme, sa fraîcheur et son dynamisme, tout en évoluant au fil des saisons. Au début, j’ai choisi des pièces très colorées, avec des motifs audacieux, pour souligner son caractère joyeux et sa personnalité extravertie. Pat Filed a une vision très claire de la façon dont chaque personnage doit être perçu à travers ses vêtements, et c’est ce qui donne à la série son esthétique si reconnaissable. Sa touche unique se retrouve dans le style audacieux et parfois excentrique d’Emily, qui contraste avec le chic plus sobre des Parisiens autour d’elle. Chaque personnage dans la série a un style vestimentaire qui reflète sa personnalité et son rôle dans l’histoire. Par exemple, Sylvie est beaucoup plus classique et élégante, tandis que Mindy apporte une touche d’excentricité avec ses choix plus audacieux et glamour. C’était un plaisir de jouer avec ces différents styles et de voir comment ils interagissent à l’écran.

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Nous avons demandé à Marylin Fitoussi, styliste de la série Emily in Paris, de décrire le style de quelques personnages en un seul mot! Voici ses réponses. 💚@Alex Gonthier #emilyinparis #ellequebec #marilynfitoussi

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En tant que créatrice de costumes, comment parvenez-vous à concilier vos idées créatives avec les attentes des réalisateurs, des acteurs et du public ?

La conciliation entre mes idées créatives et les attentes des autres intervenants est une part essentielle de mon travail. Cela commence par une compréhension approfondie du scénario et des personnages. Je dois me mettre à la place du réalisateur pour comprendre sa vision, tout en prenant en compte les attentes des acteurs, qui doivent se sentir à l’aise et en phase avec leurs costumes pour mieux incarner leur rôle. Parfois, ça signifie d’ajuster mes conceptions initiales pour répondre aux besoins du personnage ou de la scène. Pat Field m’a beaucoup appris sur l’importance de cette collaboration. Elle a un don pour capter l’essence d’un personnage et le traduire dans un costume, tout en restant fidèle à sa propre vision créative. Je suis également consciente que le public a ses propres attentes, surtout dans des séries comme Emily in Paris, où la mode est presque un personnage à part entière. Il est important de rester fidèle à la cohérence narrative tout en introduisant des éléments qui surprennent et captivent le public. Le dialogue est donc essentiel tout au long du processus créatif. Je pense que c’est cette collaboration étroite qui permet de créer des costumes qui résonnent à la fois avec l’équipe créative et le public.

Justement, quelle est la réception du public parisien par rapport au style d’Emily, qui est souvent critiqué ?

Le style d’Emily suscite beaucoup de discussions, surtout parmi les Parisiens. Il est amusant de voir à quel point la série est devenue un « plaisir coupable » pour beaucoup, même si peu de gens l’admettent ouvertement. Les Parisiens, connus pour leur goût prononcé et leurs opinions tranchées en matière de mode, aiment critiquer la série, mais c’est justement ce qui en fait un sujet de conversation si passionnant. Par exemple, Inès de La Fressange, l’incarnation même du chic parisien, a été l’une des rares figures publiques à prendre position et à exprimer son appréciation pour le style d’Emily, ce qui montre qu’il y a une ouverture d’esprit, même parmi les plus grands noms de la mode.

Cette réception critique fait partie intégrante de l’expérience de Emily in Paris. Les Parisiens adorent avoir quelque chose à dire, et je trouve ça stimulant. Ça signifie que la série ne laisse personne indifférent, et c’est exactement ce que nous recherchons. Le style d’Emily est audacieux, parfois exagéré, mais il reflète sa personnalité unique et son regard d’étrangère sur la mode parisienne. Et même si cela peut provoquer des réactions mitigées, c’est justement cette dualité qui rend la série si intéressante. Pour moi, l’important est de continuer à surprendre et à créer des costumes qui suscitent des réactions, qu’elles soient positives ou négatives. C’est ce qui fait le succès de Emily in Paris et ce qui continuera à captiver le public, saison après saison.

 

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En amont des saisons, comment préparez-vous le stylisme de la série, et comment abordez-vous chaque nouvelle saison ?

La préparation pour une série comme celle-ci est à la fois intense et stimulante, mais elle est aussi très courte. En général, j’ai seulement six semaines pour me préparer, ce qui est un délai extrêmement court pour concevoir les costumes de dix épisodes. Souvent, je commence la préparation avec seulement trois épisodes en main, ce qui signifie que je dois constamment anticiper et être en alerte pour saisir des idées à mesure qu’elles se présentent. J’ai développé une sorte de bibliothèque mentale où j’enregistre toutes les inspirations que je croise, qu’il s’agisse d’une couleur, d’une silhouette, d’une chaussure, ou même d’un bout de tissu. Ce processus est continu, car même lorsque je ne suis pas activement en train de travailler sur la série, mon esprit reste connecté à Emily in Paris.

Un autre aspect essentiel de ma préparation consiste à regarder les défilés de mode de toutes les grandes maisons, à travers le monde. Mais contrairement à ce que l’on pourrait penser, mon objectif n’est pas de suivre les tendances, mais plutôt de les éviter ! (Rires). Patricia Field m’a appris à me méfier des « it bags » et des pièces emblématiques du moment. Elle m’a inculqué l’importance de créer des looks intemporels, des costumes qui, même des années plus tard, seront toujours considérés comme chics et iconiques. Ça me pousse à créer des pièces qui ne sont pas simplement des reflets de l’époque, mais qui transcendent les modes pour devenir des classiques.

Comment le style d’Emily a-t-il évolué depuis la première saison  ?

Le style d’Emily a considérablement évolué depuis la première saison, et cette évolution est en grande partie influencée par l’évolution de Lily Collins elle-même, l’actrice qui incarne Emily. Par exemple, lorsque Lily a décidé de couper sa frange, cela a immédiatement déclenché une nouvelle vague d’inspiration pour moi. Sa nouvelle coupe de cheveux m’a rappelé la silhouette de Françoise Hardy, une icône pop des années 60 à Paris. Ça m’a donné envie d’explorer un style inspiré du « Swinging London », avec des références à des figures comme Twiggy et aux boutiques légendaires comme Biba. Cette capacité à se réinventer est cruciale pour moi, car je veux que chaque saison apporte quelque chose de nouveau, non seulement pour le personnage, mais aussi pour le public.

Au début, elle est plus colorée, plus exubérante, ce qui traduit son enthousiasme et sa curiosité pour la nouvelle culture dans laquelle elle se plonge. Mais au fur et à mesure qu’elle s’intègre dans son environnement et qu’elle gagne en confiance, son style devient plus raffiné, plus parisien, tout en conservant cette touche unique qui fait d’elle Emily. Cette évolution est aussi un moyen de maintenir l’intérêt du public. Je ne veux pas me répéter ou tomber dans la routine ; chaque saison doit apporter son lot de nouveautés, non seulement pour le personnage mais aussi pour moi en tant que créatrice. Mon objectif est de surprendre et de ravir, tout en restant fidèle à l’essence du personnage.

Je veille à ce que le style d’Emily reflète non seulement sa propre évolution personnelle, mais aussi celle de son environnement et des personnes qui l’entourent. Par exemple, au fil des saisons, vous verrez une Emily qui devient plus assurée, plus consciente des codes de la mode parisienne, tout en restant fidèle à son propre style un peu décalé. C’est un équilibre délicat : il faut rester cohérent avec le personnage que les téléspectateurs ont appris à aimer, tout en introduisant des éléments de surprise et d’innovation. Cette saison, par exemple, j’ai décidé d’introduire des costumes trois pièces avec une touche masculine et des chaussures plates, ce qui est un changement audacieux pour Emily. L’idée est de montrer qu’elle continue de grandir et de s’adapter, tout en restant cette Américaine à Paris avec un regard unique sur la mode.

 

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Quels sont vos projets futurs dans le domaine de la création de costumes ?

Actuellement, je travaille sur plusieurs projets passionnants, dont certains sont encore en phase de préproduction, donc je ne peux pas en dire trop. Cependant, je peux partager que je suis en pleine préparation pour une nouvelle série télévisée qui nécessitera une reconstitution historique, ce qui est toujours un défi stimulant. C’est un travail qui demande beaucoup de recherche pour être fidèle à l’époque tout en intégrant une touche de modernité qui puisse parler au public d’aujourd’hui. Parallèlement à cela, je développe une collection capsule inspirée des costumes que j’ai créés pour « Emily in Paris ». L’idée est de rendre accessibles certaines pièces emblématiques que le public a particulièrement aimées. C’est un projet que je porte depuis un moment, et je suis très excitée à l’idée de le voir se concrétiser. Je suis également en discussion pour collaborer sur des films, notamment un projet international qui pourrait me permettre d’explorer des styles vestimentaires très différents de ce que j’ai fait jusqu’à présent. Le monde du costume est en perpétuelle évolution, et j’aime m’ouvrir à de nouveaux défis qui me poussent à repousser mes limites créatives.

En terminant, quel conseil donneriez-vous à un jeune styliste qui souhaite se lancer dans la création de costumes pour le cinéma ou la télévision ?

Mon conseil principal serait de rester curieux et passionné. La création de costumes pour le cinéma ou la télévision n’est pas seulement une question de mode ; c’est avant tout une question de narration. Chaque costume doit non seulement être esthétiquement plaisant, mais il doit aussi servir l’histoire, approfondir la psychologie du personnage et s’intégrer harmonieusement dans l’univers visuel du film ou de la série. Je recommande également de développer une solide compréhension de la construction des vêtements et des textiles, car cela peut faire une énorme différence dans la qualité et la durabilité des costumes, surtout sur les tournages où les tenues sont souvent soumises à rude épreuve. L’empathie est aussi cruciale : il est important de savoir écouter et de travailler en étroite collaboration avec les autres membres de l’équipe, notamment les acteurs, car leur confort et leur aisance dans le costume sont essentiels pour leur performance. Pat Field a souvent souligné l’importance de cette écoute et de cette collaboration. Son approche a été une source d’inspiration pour moi, et j’encourage tout jeune styliste à suivre cet exemple. Enfin, je dirais de ne jamais avoir peur de sortir des sentiers battus. L’innovation et l’audace sont souvent ce qui fait qu’un costume devient inoubliable.

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